Giuseppe Chiari nasce a Firenze il 26 settembre 1926 e muore nella stessa città il 9 maggio 2007. È stato un compositore, un artista visivo e uno dei principali esponenti italiani di Fluxus, ma la sua figura sfugge alle definizioni: ha trattato la musica come un'attività da guardare, il segno come un gesto e l'arte come qualcosa di semplice e di radicalmente aperto, e ha costruito su questa idea un'opera che attraversa il suono, la scrittura, il collage e la pittura.
Si era formato fuori dall'ambiente dei conservatori. Tra il 1946 e il 1951 aveva studiato matematica e ingegneria, e intanto studiava pianoforte e composizione. Dal 1950 aveva cominciato a comporre: «Intervalli» e «Studi sulla singola frequenza» appartengono a questa fase e rispondevano a una musica rigorosa, analitica, costruita su regole precise e priva di ogni espressionismo. A Firenze frequentava un gruppo di musicisti e artisti che comprendeva Sylvano Bussotti e Pietro Grossi. Con Grossi aveva fondato l'associazione «Vita musicale contemporanea», uno spazio di sperimentazione per la musica nuova.
La svolta è arrivata con l'incontro con John Cage. Chiari aveva seguito la sua ricerca, che a Firenze circolava soprattutto grazie a Bussotti, e ne aveva ricavato una convinzione: la musica non coincide con la partitura né con il suono che ne esce. All'inizio degli anni Sessanta ha cominciato a realizzare partiture grafiche pensate per essere osservate oltre che eseguite, in cui il segno sul foglio contava come immagine. Nel 1962 ha scritto «Gesti sul piano», dove il gesto del pianista diventa una parte della composizione.
Nello stesso 1962 ha partecipato al festival di Wiesbaden dedicato alla nuova musica e si è unito a Fluxus: il nome di Chiari era stato proposto agli organizzatori da Heinz-Klaus Metzger, che lo ha introdotto così nell'avanguardia internazionale. Fluxus gli ha dato un contesto in cui la musica poteva essere azione, ironia e pensiero allo stesso tempo, e in cui le sue partiture grafiche avevano una collocazione naturale accanto ai testi e alle istruzioni degli altri artisti del movimento.
Nel 1963 ha aderito al Gruppo 70 di Firenze, il gruppo della poesia visiva, e ha portato nella ricerca verbo-visiva la propria questione: che cosa succede quando uno spartito diventa un quadro. La partitura, per Chiari, smetteva di essere un'istruzione per l'ascolto e diventava una superficie su cui guardare, un luogo in cui il segno musicale e il segno pittorico si equivalevano.
Nel 1963 «Per arco» aveva fatto scandalo a Palermo, alla Settimana Internazionale Nuova Musica, dove Chiari si trovava insieme a Bussotti e a Eugenio Miccini: una partitura per un gesto, per un corpo e per uno strumento che non si limitava a suonare. Più tardi quel lavoro è entrato nel repertorio di Charlotte Moorman, la violoncellista che per Fluxus ha eseguito partiture di molti autori, e ha mostrato quanto la musica di Chiari potesse funzionare come azione prima che come ascolto.
Dalla fine degli anni Sessanta ha affiancato alle opere una produzione di testi e libri in cui la teoria e la pratica coincidevano: «Musica senza contrappunto» (1969), «Musica madre» (1973), «Il metodo per suonare» (1976, con un testo di Gillo Dorfles). Vi esponeva frasi brevi, paradossali, quasi sempre sul filo dell'ovvietà, con cui metteva in dubbio le convenzioni dell'arte e della musica; «L'arte è facile» (1972) è tra le più note, e il titolo funzionava insieme come provocazione e come metodo. Nei «Metodi per suonare» gli strumenti, dal pianoforte alla chitarra, e perfino l'acqua e i sassi, diventavano occasioni per un gesto, più che mezzi per produrre note.
Nel 1972 ha esposto a Documenta 5 di Kassel e alla Biennale di Venezia, dove sarebbe tornato nel 1976 e nel 1978, e il suo lavoro ha cominciato a essere letto anche dal sistema dell'arte visiva, oltre che da quello musicale. Intanto continuava a fare concerti e performance, in cui la sua presenza in scena, fatta di pochi gesti e di molta ironia, era parte dell'opera.
Dagli anni Ottanta il lavoro si è spostato con decisione verso la pittura. Ha realizzato collage pittorico-gestuali in cui interveniva con acrilici, pennarelli e pastelli su grandi fotografie di spartiti e su eliografie, e ha trattato le partiture come superfici da attraversare con il segno, in una lettura che richiamava l'action painting di Pollock. In questi anni e nei successivi ha lavorato anche su strumenti musicali alterati, chitarre e violini, e sul tema della chitarra, che ritorna in molte opere su carta e in collage: una sagoma di strumento che non suona più, ridotta a un gesto fermato sulla pagina.
Giuseppe Chiari ha lasciato un'opera che tiene insieme la musica, la pittura e la scrittura senza metterle in gerarchia, e che dagli anni Cinquanta all'ultimo decennio di attività ha sempre messo il gesto prima del risultato. L'Archivio Giuseppe Chiari, nato a Firenze nel 2008 per volontà degli eredi, raccoglie la documentazione, tutela la sua opera e rilascia i certificati di autenticità.
