Vladimir Veličković nasce a Belgrado nel 1935 e muore a Spalato, in Croazia, nell’agosto del 2019. Pittore, disegnatore e incisore, fu uno dei protagonisti della figurazione europea del secondo dopoguerra e uno dei pochi artisti di origine jugoslava a raggiungere una reputazione internazionale dopo la guerra. La sua opera, fatta di corpi, animali e griglie di misura, è un lungo confronto con la violenza e con la fragilità della vita.
Aveva dieci anni quando finì la Seconda guerra mondiale, e raccontò di aver visto, fuggendo, persone impiccate ai lampioni nel centro di Belgrado. Si laureò in architettura a Belgrado nel 1960, e la formazione dell’architetto, il senso della misura, dell’asse e del rapporto tra le parti, rimase alla base del suo linguaggio. Nel 1962-1963 lavorò nel laboratorio di Krsto Hegedušić a Zagabria, nel 1963 tenne la prima mostra personale e nel 1966 si stabilì a Parigi, dove tenne lo studio ad Arcueil, in una ex fabbrica.
Il Museo di arte contemporanea di Belgrado ha ricostruito il suo percorso come quello di un linguaggio che si indurisce. Alla fine degli anni Cinquanta, a Belgrado, c’era ancora uno spirito post-surrealista, fatto di spazi modesti e di un’atmosfera statica. Negli anni Sessanta arrivò la nuova figurazione, prima serba e poi francese; con il trasferimento a Parigi la tensione salì, e negli anni Ottanta la carriera divenne internazionale. Il critico Marc Le Bot, in un libro del 1979, definì la sua pittura un «vertige de la géométrie»: un dinamismo preciso, una violenza controllata.
A Parigi trovò un ambiente dominato dall’astrazione, in cui la figura era fuori moda. Veličković restò figurativo, e il suo nome fu accostato alla nuova figurazione francese e alla Figurazione narrativa. Nel 1970 rappresentò la Jugoslavia alla Biennale di Venezia. Dal 1983 al 2000 insegnò all’École nationale supérieure des Beaux-Arts.
I suoi soggetti ritornarono con ostinazione: uomini nudi che corrono, camminano, saltano, spesso privi di testa, ispirati alle sequenze fotografiche di Eadweard Muybridge; forche e ganci; cani, corvi, uccelli schiacciati; scatole distrutte; la crocifissione, la passione, la deposizione, i gisants. La tavolozza era ridotta, il bianco e nero con accordi di nero e rosso, e nei quadri mancano gli alberi, i fiori, l’erba e il cielo. Tra i temi che l’Encyclopædia Universalis, per mano di Alain Jouffroy, definì secondari c’è quello dei topi: nel 1968 la serie «Naissances» sostituì l’embrione con un ratto, il titolo «Expérience Rat» compare già nel 1975 accanto a «Rat», e la litografia «Le rat» è del 1977. In un testo del 2019 per l’Académie des Beaux-Arts l’artista spiegò che nelle opere della serie «Expérience» il ratto è un soggetto di laboratorio tra strumenti scientifici, mentre nelle «Agressions» diventa l’aggressore.
Nel 1977 una sua tela con un uomo decapitato su una barella, ispirata alla fine del pittore Topino-Lebrun ghigliottinato per ordine di Bonaparte, fu proposta da Jouffroy per la mostra «Guillotine et peinture» al Centre Pompidou. Nel 1975 conobbe a Parigi Francis Bacon, che il 21 settembre di quell’anno visitò il suo studio, e secondo Amélie Adamo, che ha ricostruito il rapporto sulla rivista «L’Œil», i due rimasero amici fino al 1987. Bacon, nel 1992, dichiarò di non credere di averlo influenzato e indicò Muybridge; il figlio dell’artista, Marko Velk, ha descritto Bacon come il pittore dell’immobilità e il padre come quello del movimento.
Nel 2005 fu eletto all’Académie des Beaux-Arts, nel seggio che era stato di Bernard Buffet, e fu Commandeur dell’Ordre des Arts et des Lettres e Chevalier della Légion d’honneur. Nel discorso con cui Jacques Taddei lo accolse, nel 2007, gli furono attribuite oltre trecentocinquanta mostre personali nel mondo. Nel 1999 realizzò un pannello di cinquantasei dipinti, concepito come un’iconostasi, e lavorò per anni su grandi formati nello studio di Arcueil. Il Centre Pompidou conserva il grande olio «Poursuite Fig. VII» (1984), donato dall’artista nel 1985, e la Tate di Londra un suo lavoro su carta del 1979.
Il legame con il paese d’origine non si interruppe. Dal 1985 fu membro esterno dell’Accademia serba delle scienze e delle arti (SANU), che gli dedicò mostre nel 1986, nel 2002 e nel 2013. Fondò il Fondo per il disegno «Vladimir Veličković», destinato ai giovani artisti serbi. Dal 20 ottobre 2021 al 21 febbraio 2022 il Museo di arte contemporanea di Belgrado gli dedicò «Figure as an Expression of Existence», sui cinque piani dell’edificio, con oltre cento tra dipinti, disegni e grafiche ordinati per temi e non per cronologia.
Nel 2015 il Musée de l’Hospice Saint-Roch di Issoudun, a cura di Patrice Moreau, presentò circa settanta opere dal 1959 al 2015. La grande retrospettiva del Fonds Hélène et Édouard Leclerc a Landerneau, curata dallo storico dell’arte Jean-Luc Chalumeau e aperta fino al 26 aprile 2020, mise al centro il suo rapporto con Grünewald. Itzhak Goldberg, sul «Journal des Arts», la descrisse come un «cirque de la cruauté», mentre Didier Du Blé ricordò un uomo gentile e attento agli altri.
